策展手记 IV

　　编辑：刘东 图/文：甘莹莹

　　在做展陈设计的同时，我们得琢磨如何在一个实体空间里，构建一种让观众不仅能够阅读，还能直接在其中行动、观察等多元感官体验的方式，使他们的身体成为接收展览所传递理念、价值观及作品深层感受的媒介，从而全方位地打开感知，深入理解展览的核心信息。这就会细致到，我们必须考量空间的多重维度：它坐落于哪座城市，又在这座城市的心脏或边缘地带占据一席之地？因为，这会很大程度地影响人流以及展览调性、观看体验。楼层的选择如何影响参观者的体验流程？空间的大小、形状、墙面的质感乃至自然光的渗透程度，都是塑造展览氛围的关键要素。同时，我们必须精准定位受众群体，思考他们踏入展览场域时的状态与期待。这将直接影响我们如何规划动线，如何布置互动环节，以激发他们共振。预算的分配与管理，则是确保展览顺利进行的基石。在有限的资源下，我们需精心挑选并合理利用材料，既保证品质，又控制成本支出。艺术家与作品，是展览的灵魂所在。我们需深入了解每位艺术家的创作理念与风格，精心策划作品在空间中的布局，确保它们既能各自闪耀，又能和谐共生，无论观众从哪个角度审视，都能感受到美感。展览的核心与导向就是我们的概念，围绕主题概念，通过空间布局、作品选择、色彩搭配、灯光运用等多种手段，将这一概念巧妙融入展览的每一个角落，让观众在沉浸式的体验中，自然而然地领悟并感受到我们所要传达的信息。

　　显然，在“燃烧之路”的展览方案中，“火”是核心概念，它既是“技术”的象征，也是“精神”的载体，贯穿于整个展览。但在整个展览的艺术家作品里，并没有直接呈现任何一个具象的“火”。我们希望传达给观众的是，“火”的本质即“人”。就如前文所说的，我们已经梳理了每位艺术家的空间关系，他们之间的关系并非线性链接，整个展览也并非按章节划分的，而是首尾串联，且每个艺术家之间都存在微妙的联系。在这个基础上，我们计划整个展厅尽量减少实体墙的隔断，以营造更通透的空间，以便观众可以在欣赏一个作品的时候，能够自然地联想到另一个作品，但同时又能避免相互之间的过度干扰。再考虑到本次展览将设于三影堂一楼，约200 平方米的展厅需承载 8 位艺术家的作品，因此，展览的通透性设计显得尤为重要，旨在最大化空间利用效率，同时提升观展体验。

　　在这个过程中，我联想到了法国著名导演拉斯·冯·提尔的经典之作《狗镇》。这部电影发生的场景——一个虚构的美国的小镇，实际上是在一个摄影棚内搭建起来的舞台场景，布景是虚拟的，仅用白色粉笔在地上框出相应的区域，并用文字做提示说明，以模拟小镇的街道、房屋等场景。除了必要的家具和工具外，演员在整个透明的空间里仅凭想象和创意进行无实物表演，这种“透明”“无界”的感觉在影片中隐喻了小镇里居民隐私和秘密的缺失。这种抽象和概括的艺术表现手段给我留下了很深的印象，再回到《燃烧之路》展览上，既然我们已经深入剖析了每个艺术家作品中所构建的空间，为何不尝试把整个空间的地面当成一个俯视图？通过地面划线的方式，隐喻性地揭示展览的逻辑脉络、空间布局、创作构思及艺术家间的内在联系。每位艺术家如同在可缩放的平面上，以作品为媒介，进行一场无形的“无实物表演”。最终，融合观众的想象力，引导他们沿着“河流”般的展览线索，寻得自我，领悟“人即技术本身”的展览精髓。

　　我和一辰交流了这个想法，两人一拍即合：既然 Alice 与 Alex 的作品背景是沙漠，我们可以融入沙漠暗河、山川轮廓线、金字塔的鸟瞰等元素；Magali 的作品关联纽约地铁线路，Yurian 则展现自家平面图；Josef 聚焦于小男孩的卧室，顾桃的部分则是帐篷的俯视图；最后，宋兮带我们回到了星辰大海的壮阔景象。这些元素巧妙串联，形成了一体！一辰随即绘制了初步草图，并邀请擅长建筑设计的朋友茜羽，将其转化为更为专业的设计图，这成为我们展陈核心视觉呈现的基础。

　　茜羽完成的画作发回后，与我们的预期几乎毫无二致。画面以深灰色为背景，一条金黄色的河流蜿蜒其间，贯穿整个展厅。在这个基础上，我和一辰开始做展览设计方案，鉴于展览方案中我们拥有一面长“ L”形墙面，这一图案被巧妙地安置其上，作为我们展览核心理念的思维导图。每位艺术家的作品区域都被精心规划，用以展示他们的作品小样、介绍，以及我们详尽的调研资料。展厅中央，我们特设了一个钢制脚手架，其上以木工板搭建起一个阅读台，一侧粘贴着本次展览的灵感源泉与推荐书目；另一侧木板则发布了工作坊的招募信息。紧邻阅读台，悬挂着两块屏幕，一块播放着我和一辰关于展览构想的讨论视频；另一块则循环展示艺术家书籍的翻书视频，这一块区域是为观众带来更多关于展览概念的延伸补充。

　　在紧锣密鼓的展览设计方案筹备过程中，我们日复一日地深入复盘每位艺术家的作品及其相互关系，以及展览的整体概念。鉴于奖项评选日即将来临，我们需向评委、主办方及观众全面阐述我们的方案，因此每位艺术家的作品细节都已深深烙印在我们心中，甚至可能超越了艺术家本人对其作品的熟悉程度，包括他们的采访内容我们也了如指掌。记得某个夜晚，我还沉浸在一个美好的梦境中，梦中我们荣获奖项，我站在台上，激动得泪流满面。

　　这一天终于如约而至，既惊喜又仿佛一切尽在预料之中。我和一辰站在台上，激动得几乎语无伦次。随后的庆功宴上，我们与每一位远道而来参加集美·阿尔勒的摄影界朋友举杯共饮，那份紧绷已久的神经终于得以放松，长久累积的压力也在欢声笑语中烟消云散。

　　然而，短暂的休憩时光转瞬即逝，紧接着便是接连不断的繁忙工作安排及媒体采访。我们再次全身心投入展览的筹备之中。在频繁的采访中，我们不断回溯并深化展览的核心概念，每一次的阐述都愈发清晰而有力。尤为振奋人心的是，我们获悉展览将在新近落成的上海 Fotografiska摄影艺术中心（作为 Fotografiska 在亚洲的首座影像艺术中心）进行首展。这无疑为我们提供了一个极为出色的平台和机遇，消息传来，令人激动不已。随即，我们迅速行动起来：签订合同、与艺术家紧密沟通、处理多方协议、翻译资料、提交作品清单审核、实地考察场地、制订展览方案、聘请主视觉设计师、联系专业的展览搭建公司，并与艺术家们就展陈细节进行深入交流。每一个环节都凝聚着我们的心血与期待，只为将这场展览完美地呈现给世人。

　　展览的设计与搭建，无疑是整个筹备流程中最具挑战性、沟通需求最高、专业技能依赖度最强，同时也是应变能力受到最大考验的环节。方案展中的设想是一回事，而真正落实到一个空间中又是另外一回事。记得在《策展手记 2》中，我提及为易雅静在北京太和艺术空间策划的个展，那是一场纯粹的装置艺术展。正是那次策划经历，极大地增强了我的自信，让我成功地从摄影师的二维视角跨越至空间设计的多维思考。

　　展览不仅仅追求视觉上的美观，更致力于让观众从踏入展厅的那一刻起，便在时间与空间的维度上，融入我们精心设计的艺术叙事之中。Fotografiska 这座坐落于上海市中心、紧邻苏州河畔并与四行仓库纪念馆相邻的历史保护建筑，在保留其原始风貌的同时，巧妙融入了现代设计元素。经过精心改造与布局，这座古老建筑焕发出新的生命力与活力。因此，吸引至此的观众多为追求前卫、时尚且热爱摄影的都市人群，他们渴望在这里获得更为沉浸、创新的观展体验。我们的展览选址于Fotografiska 二楼的 C 展厅，一个面积约190 平方米的空间，其墙面形态近似一块不规则的正方形。展厅内设有四个大型立柱，一个入口与相邻展厅相连，而另一个出口则通往一座宏伟的楼梯。

　　在明确这些宏观背景后，我们决定延续方案中无实体墙隔断的设计理念，将展厅内铺满金黄色图案直至地面，整体环境设定为暗场，通过切光灯精准照亮展品及地面的金色图案，营造出如漆黑宇宙中星体熠熠生辉的氛围。随后，我们着手规划每位艺术家的展位布局，鉴于空间有限，每一步安排都需极为审慎，以免削弱单件作品的观赏体验或造成展区间的相互干扰。

　　我开始构想，踏入那片幽暗空间之初，哪件作品会率先吸引我的目光，它们又将以何种姿态呈现：比如 Alex Turner 的沙漠主题作品，我设想他加入科研团队后，频繁穿梭于沙漠，监测红外摄像头，并捕捉周边壮丽而细腻的风景。这些景象必然是起伏不平，略带倾斜，而木工板的色泽恰好与沙漠相得益彰。因此，我利用 3D 软件精心设计了高低错落、角度各异的展台，以完美契合这一构想。

　　至于我们在展览筹备过程中遭遇的种种挑战及团队合作的丰硕成果，将在后续文章中详细展开。