专访 | 耗时三年Rone将街头艺术「变」入美术馆

　　采访、编辑/Lora

　　图/ © RONE. Photo: Rift Photography、Tony Mott

　　版式/志明

　　走进西澳大利亚美术馆（AGWA），沉浸于独特的艺术体验中，感受历史与现实交织的瞬间。《TIME • RONE》是一场沉浸式艺术展览，带我们走进澳大利亚历史中被遗忘的时间。在墨尔本弗林德斯车站的《TIME》装置展览大获成功之后，知名艺术家Rone将他的标志性壁画和沉浸式装置带到了珀斯，在充满历史气息的西澳大利亚美术馆（AGWA）百年展馆中，为观众带来别具一格的艺术体验，并特别呈现为珀斯创作的全新作品。此次展览设在百年展馆的两层空间，共有12个房间，每个房间都融合了视觉艺术和作曲家Nick Batterham创作的音景，营造出沉浸式的感官体验。Rone通过艺术为这些旧空间注入新生命，让过去的故事在光影交错中重现，同时引导观众思考时间的流逝和记忆的痕迹。

　　Rone的作品展现了转化的力量，他通过艺术为被遗忘的空间赋予新生，带领观众进入一场多感官的沉浸式体验。每一件作品都促使观众思考自己对周围世界的感知，感受时间流转与事物变迁中蕴藏的独特美感。此次展览让人思考时间的流逝，它悄然改变了一切，尘土静静地积聚在遗留下的痕迹上。尽管油漆剥落，天花板开裂，生命依然顽强延续。那些面孔仿佛在时光中寻求某种东西，过去的影像与未来的幻象交织在一起。它们与我们同在，定格在这一刻，仿佛时间在这里凝固。

　　RONE. Photo: Tony Mott.

　　时空魔术师“可以说的秘密”

　　过去二十年，墨尔本艺术家Rone（Tyrone Wright）凭借其独特的大型肖像画和充满氛围感的多媒体装置作品，在国际艺术界赢得了广泛关注。自2016年以来，他不断拓展创作，逐步提升作品的规模和沉浸感，突破了传统艺术表达的界限。

　　Rone擅长将被遗弃和破旧的空间转化为艺术作品，通过细腻的笔触和富有情感的表现，带领观众进入一场充满感官刺激的艺术体验。他的作品探讨了美与衰败、物品与消逝等对立主题，通过虚构的历史和空间，引发观众对时间流逝和记忆消逝的思考。

　　他的代表作《Empire》（2019）、《The Omega Project》（2017）和《Empty》（2016）受到了广泛关注，并在国际媒体中获得报道，进一步巩固了他作为当代艺术创新者的地位。近期，在吉隆美术馆（Geelong Gallery）举办的《Rone in Geelong》（2021）展览中，他将美术馆的馆藏、建筑风格与历史相结合，创作了与空间紧密融合的装置作品。此次展览还首次全面回顾了Rone的艺术历程，呈现了他早期的作品、街头艺术，并展示了记录他重要装置艺术的摄影作品。在创作过程中，Rone 与团队共同打造的沉浸式装置作品如同电影布景般精致。从家具设计到每一丝尘土与蜘蛛网的布置，都经过精心考量，确保每个细节与作品的整体氛围相契合。通过巧妙设计的光影效果和音效，Rone 成功营造出沉浸式的感官体验，让观众仿佛身临其境。Rone选择了不同于传统美术馆展览的创作路径，这使他的作品不断突破艺术的界限，探索全新的表达方式。他的作品永久收藏于澳大利亚国立美术馆（National Gallery of Australia）和维多利亚国家美术馆（National Gallery of Victoria）。此外，Rone还是位于澳大利亚科林伍德的Everfresh工作室的联合创始人。

　　Q&A

　　对话艺术家RONE

　　TIME • RONE installation view, The Art Gallery of Western

　　Australia, 2024. Image © RONE. Photo: Rift Photography

　　P：你过去是在街头或废弃工厂进行涂鸦创作，但此次你来到西澳大利亚美术馆，并以三年的时间来呈现“Time”主题展，这是否有史以来你耗费最多时间与心力的一次展览？

　　R：是的，“Time”主题展是我迄今为止投入最多时间和精力的项目。从策划到最终呈现，整个过程花了三年时间。与以往在街头或废弃工厂的即兴创作不同，这次的作品不仅规模更大，而且在细节上也更加精雕细琢。为了完整呈现我的构想，整个创作过程需要大量的研究和团队的紧密合作。

　　P：从户外涂鸦创作“搬”到美术馆室内空间里，会激发你哪些新的想法和尝试？

　　R：在美术馆这样的室内空间创作，我能更灵活地运用灯光、声音和装置，甚至可以重塑整个空间，引导观众的移动路径，创造更有层次感的叙事体验。与街头艺术的即兴和不可控相比，这种沉浸式的多感官体验能够更精准地传达我的故事，并探索更深层次的表达方式。

　　P：此次展览分为12个房间，每个都有不同置景，为何你会有这个设想？

　　R：我希望观众走进展览时，仿佛踏入一个被遗忘的世界，在这里，个体的记忆与共同的历史交织融合。每个空间的设计都根据其独特的结构和环境而定，我会先观察它的空间，再去构思它在过去可能承载的故事，从而赋予它全新的生命。

　　P：在每个房间上，都能见到同一个女性面孔，看资料了解道：她是过去十年与你合作的模特Teresa Oman，她最吸引你的特质是？

　　R：Teresa拥有一种跨越时间的神秘气质，非常契合我的创作主题。她的面容既展现出力量，又透露出脆弱，这种独特的双重特质使她成为我创作的灵感源泉。

　　P：过去你有合作过多少位女性模特？你选择模特的标准是什么？

　　R：我曾与许多男性和女性模特合作，但Teresa是我合作最多的一位。在挑选模特时，我倾向于寻找那些既具有独特魅力，又能散发出一种深邃气质的人，他们能够展现神秘感并富有层次感。对我来说，合适的模特不仅是画布上的形象，她们更能帮助我讲述那些富有内涵、充满故事的作品。

　　P：不同房间里，都布置了各式旧物件，上面甚至缠满了蜘蛛丝，你是不是很关注细节的处理？请分享一下其他细节。

　　R：我非常注重细节，因为它们能增强作品的真实感和沉浸感。每个房间里的物品都经过精心挑选，仿佛它们承载着某个过去的时光。例如，地上散落的手写信件、衣物上的标签（这是我对祖母的一种纪念）以及药瓶上的标签，这些元素鼓励观众去深入探索，并从中形成属于他们自己的理解。

　　P：当我游走于不同房间时，我似乎会忘记了个体的存在，被不同时光线索消融，观众也融入你的作品其中了，踩在地面上的信件、转角消防栓下亮着油灯、穿梭在旧画架之间……你认为让观众回溯“过去”的最大意义是什么？

　　R：我希望人们放慢脚步，思考时间的流逝。在这个快节奏的世界中，回顾过去能让我们重新连接那些被遗忘的情感、故事和经历。这个展览不仅仅是视觉呈现，更是一种情感的触动——唤起回忆、激发怀旧，甚至唤起那些埋藏已久的情感。

　　P：我们常说“活在当下”，过去、当下、未来，这三者的比例权重在你心里是如何的？

　　R：我认为过去、现在和未来是紧密相连的。过去塑造了我们的现在，而我们在当下体验生活，未来则充满无限可能。我的作品常常探索这三者之间的关系——在衰退中展现的美，历史的回响，以及我们创作的瞬息万变和无常。

　　P：户外涂鸦终究会因时光风雨而消褪，西澳大利亚美术馆中“Time”房间的步道也会因观众的踱步而更为旧迹斑斑，作品们会与你渐行渐远，你对于这种“失去”，会如何释怀？

　　R：我认同这一点，变化无常是我作品的核心主题之一。就像街头艺术终将褪色一样，展览也会随着每位观众的互动而不断变化。这种变化体现了时间的推移与记忆的消逝。没有什么是永恒的，而正是这种短暂，赋予了它独特的美感。

　　P：回望过去的时光，你最怀念的是哪一段？

　　R：每个创作阶段对我来说都有独特的意义，但最让我怀念的还是街头艺术的早期时光。那时，创作充满了纯粹的自由与探索，不受限制和期望——只是单纯地为了热爱而涂鸦。而如今，我也很感激能够创造更大、更具沉浸感的艺术体验。这一切都源自于早期的积累和发展，逐步塑造了今天的创作。

　　TIME • RONE installation view, The Art Gallery of Western

　　Australia, 2024. Image © RONE. Photo: Rift Photography

　　TIME • RONE installation view, The Art Gallery of Western

　　Australia, 2024. Image © RONE. Photo: Rift Photography

　　TIME • RONE installation view, The Art Gallery of Western

　　Australia, 2024. Image © RONE. Photo: Rift Photography

　　TIME • RONE installation view, The Art Gallery of Western

　　Australia, 2024. Image © RONE. Photo: Rift Photography