话剧里的自我修养

当剧场里观众席照明灯隐去， 台上的灯光一点点亮起， 李宗雷走进了一个世界。

那个世界里， 他是 《新原野》 里的乡村糙汉子； 是 《茶馆》 里曾心怀天下却心灰意冷的革命者； 是 《哈姆雷特》 里思索着生存与毁灭的王子；是 《海鸥》 里发须皆白、 八面玲珑的医生……他看遍了大千世界， 人情冷暖。

随着舞台的灯光一盏盏熄灭， 舞台上的脚步也一步步退去， 直到他离开了“那个世界”， 将震撼与触动都留给了舞台外的观众。

这就是李宗雷—— — 在走上梦想的舞台前， 他为它， 已经准备了大半生。

李宗雷第一次接触表演， 是在中学的一次文艺汇报演出上。 作为班级的文艺委员， 他排演的一个小品， 在校级舞台上拿了奖。 那时候他觉得， 演戏真是一件又威风又有趣的事情！

让他真正意识到戏剧之美， 是高中时， 在北京人民艺术剧院观看的一场演出。 散场后， 一种名为“震撼” 的心情在他心中激荡着， 久久不能散去。他第一次思考起来： 舞台与观众席之间隔着那么远的距离， 强烈的灯光已经“融化” 了演员的面部细节， 为什么他的心还是会跟着剧中人物不断浮沉，为他们的命运不断悲喜呢？

他迫切地想知晓答案， 那一刻， 他想站上这个舞台， 靠得再近点， 看得再清楚点。 带着这份心情， 他考进戏剧学院， 跟随老师进行系统的“声台行表” 的训练。 毕业后， 他又去上海话剧中心实习， 再后来， 李宗雷参加话剧的剧组选拔， 正式进入这个行业。

李宗雷告诉我们， 有的剧目整场演出下来， 足足有 8 个小时， 对演员的体力和状态都是“极限挑战”。

即便是一台 100-120 分钟的普通话剧， 剧组的演员至少要排练 1-2 个月， 每天的排练时间不会少于 10 个小时。

排练前， 每位演员都要先进入角色， 与演对手戏的演员对词。 进入正式排练后， 他们要先排演全场， 再拎出重点片段， 在一遍遍重复的排练中找到状态， 磨出细节， 直到这段被无数次打磨后的片段终于完成， 才会开始下一个片段。

如此往复， 逐个打磨。

之后， 剧组还要整合在一起， 集中排练四五次。 等排练到一定程度后， 就把排练场地从排练室挪到剧场里。 这时， 灯光组、 舞美组就会加入， 所有工作人员合成彩排。 直到剧场里的排练成熟之后， 才能正式开演。

李宗雷说， 所谓的心力挑战， 并不是指熟记剧本， 牢记台词， 而是对剧本的把握度、 对台词的诠释力。

这就要求每一位话剧演员拥有扎实的基本功：良好的功底能让他们在舞台上表演自如， 即便遇到舞台事故， 也能及时救场。

剧本相当于故事， 它的重点是在舞台上完善一个故事， 至于故事里的角色， 并不会有太过详细的诠释。 这个时候， 如何让角色活灵活现， 有血有肉， 更多得依靠演员的专业素养—— — 肢体的放开、声音的顿挫还有戏剧节奏感的培养， 都包含在其中。

这种素养， 可以通过个人的爱好来实现。 例如， 有的演员爱好舞蹈， 能通过更灵活的动作去表达情感。 李宗雷小时候学钢琴的经历让他有了不错的乐感， 对节奏感有着自然的把握度。

这种素养， 可以通过广泛阅读来实现—— — 有一句话说： 演员拼到最后， 就是拼文化。 阅读能拓宽思想的疆域， 填补经验的空白， 是演技厚积薄发的必备要素。 为此， 李宗雷至今仍坚持一周一本书的阅读习惯。

这种素养， 还可以通过对外界的观察来实现—— — 即使是一双手， 也能通过观察发现不同的特点。 老师喜欢拍手， 因为手上容易沾到粉笔灰； 外科医生常常背着手， 因为在手术中， 灵活的双手至关重要。 这些细节在表演中， 能让角色更加立体。不过， 对李宗雷来说， 最重要的素养， 应该来自于每个人内心深处最轻灵、 最直接、 最单纯的本真。

粗算一下， 李宗雷已经在话剧界摸爬滚打了十余年， 演出过 20 多个剧目， 每年有千余场的演出。他不仅和话剧界知名的导演赖声川合作过多次， 也曾和知名演员金士杰、 胡歌出现在同一个舞台上。

在这样丰富的经验之下， 他却笑谈， 自己有一群小老师。

那时， 他为上海一所小学剧团做指导老师， 教导一批儿童演员。 下戏之后， 他忍不住为他们拍手称赞。

称赞他们， 并不是因为这群孩子的纪律有多好， 事实上每个孩子都活泼好动； 也不是因为演得有多传神， 他们不像最近走红的 《小戏骨》 系列里的小演员那样， 有着非常成熟的演技。 只是因为这群孩子的表演是发自本心， 最热忱、 最真诚的表达。

在李宗雷看来， 绝佳的演技， 并非依靠卓绝的智力去习得， 依靠不凡的眼力去模仿， 依靠发声技巧去塑造， 而是将自我完全融入角色中， 以最真诚的态度去面对， 最诚实的状态去表达。 这样， 即使你的音色不佳， 表情不美， 只要表达足够真诚， 对梦想足够诚恳， 你都可以是话剧界里， 那颗最闪亮的明珠。