外层黑暗——“时尚的延续”设计展

　　20世纪工业化发展在科技上的突飞猛进，使人们身处的世界变得霓虹闪烁、五光十色。技术上的可能性似乎使人们对于乌托邦式的理想世界抱有乐观期待，时尚界也因此充溢着耀眼而眩目的色彩。而到了20世纪末以后，经济的一度萧条，使那个曾经令人头晕目眩的世界渐渐开始展现出无力而幻灭的一面。假想中的乌托邦乐园迟迟没有到来。当失望和悲观情绪慢慢衍生，“忧郁”便随之演变为一种新的时代精神。而如何将“忧郁”穿在身上，便成为了许多时尚设计师们思考的内容。本季在法兰克福应用艺术馆展出的小型时尚设计展“外层黑暗——时尚的延续（Outer Darkness-Continuing after Fashion）”便展出了以此为主题的一系列具有代表意义的时尚设计师的作品。

　　先破后立

　　假如我们将时尚定义为现代发展的标尺：例如有人将法国大革命同法国皇后玛丽·安托瓦内特奢华的洛可可风格联系在一起，或者将西方世界解放的时尚标志之一的“迷你裙”同上世纪60年代东西德分裂的历史时期扯上关系，那么20世纪末之后的现代社会应该烙上何种时尚的标记？

　　德国文学研究家和时尚研究者芭芭拉·芬肯（Babara Vinken）首次将20世纪末的着装和精神形容为“后续的时尚（fashion afterfashion）”。那些在当时还非常新鲜的名字：安·迪穆拉米斯特（Ann Demeulemeester）、马丁·马吉拉（Marti n Margiela）、亚历山大·麦昆（Alexander McQueen），以及海尔姆特·朗（Helmut Lang）、山本耀司（Yohji Yamamoto）和川久保龄（ReiKawakubo）等等，打破了传统的设计规则，从已经过剩的纵情声色的时尚品位中脱离出来，丢弃掉夸张而大肆宣扬的饱和色彩和丰满曲线，转而将设计的精神指向内在的更加深刻的探索和体察，创造出了一系列被定义为“反时尚（antifashion）”或者“后续的时尚”的时装作品。他们谢绝上一代时尚设计放纵的消费型时尚品位和过度商业化的明亮跳跃的色彩，抛弃了夸张的垫肩或者过度角色化的女性形象，从而向时装界注入了一种与以往完全不同甚至截然相反的风气和格调。此时的时尚地图也不再局限于西方世界框架内，而是纵横交错地延伸到世界的许多角落。来自于西方世界之外的时尚设计师也开始大展拳脚。

　　本次展览从日本设计师山本耀司的黑白短片电影开始，交代的是他在参加2010年纽约春夏时装周之前的准备过程。设计师在片中对自己的设计哲学的诠释，为整个展览的主题定下了基调。山本耀司出生于二战后一片废墟的日本，生活的黑暗面从始至终对他都有着强大的吸引力。他的作品是在“废墟”之上重建的新的精神和概念。和川久保龄一样，他的设计在上世纪80年代的巴黎同被称为“广岛时髦”。山本耀司从不用艳丽的色彩，对外界的时尚潮流也并不关心，只对自己的黑色世界情有独钟，并将大部分的精力都放在衣着的剪裁上，用不对称的设计剪裁将冲突变为魅力，成为时尚设计界解构主义的代表之一。在本次展出的影片《这是我的梦想》中，山本耀司说：“我的眼睛厌倦了彩色。在黑暗中才最为舒适和自由。”他试图通过自己的时尚来反对时尚，一直在外界时尚的平行世界里坚持自己的方向。

　　20世纪末开始，已经不满足仅仅作为消费者存在的社会大众，开始将兴趣转向对时尚的观赏，这一转变对于时尚工业来说非常关键。时装秀开始在电视和纸质媒体上大量传播，媒体的宣传和表现程度甚至和时装设计本身的重要性相当。设计师们渴望通过时装秀来表达自己的力量。本次展览的另一个亮点，是已故的英国时尚教父亚历山大·麦昆2009/2010秋冬季的“丰裕之角”（The Horn of Plenty）时装秀实况和部分作品。麦昆将时尚的内在冲突性批判地通过自己的时装设计表现出来。在其中一件服装的设计上，设计师有意将黑色的丝绸制成气泡布的形态，作为晚装穿在模特身上。此举揭示了时尚产业短暂无情的一面：今天还被赞誉为时尚的设计，也许转眼就变为一堆废物，不值一提。但是反过来说，那些看似毫无艺术价值的生活用品，也许又会在时尚的点金术下化腐朽为神奇。这种矛盾的悖论是这一组设计造型想要探讨的问题，正如名称所隐喻的希腊神话中那只取之不尽、用之不竭的“丰裕之角”一样，对时尚抱有的悲观又被一种创造的自信所平抚。

　　黑暗之光

　　较之唯恐穿得过于朴素（underdressing）的七八十年代相比，20世纪90年代以后的年轻人不希望穿得太过夸张（overdressing）。简洁的风格开始成为一个新的标准，刻意卖弄的鲜艳服饰渐渐不再流行。8 0年代对性感形象的刻意追求被新的简单而舒适可穿的需求所替代。设计师们尝试将一种“浪漫的贫困”展现在作品中，也开始关注一些新的主题：暴力、死亡、无力、身体改造等等。本次展览上有一些非常年轻的新锐设计师的作品，就是站在最传统时装的视角之上进行的新的实验。

　　西班牙年轻设计师雷安德罗·卡诺（Leandro Cano）此次参展的“Buffet系列”为他赢得了2012年柏林时装周“明日设计师”的荣誉。这一系列的每一件成衣都讲述了一个完整的故事。设计的灵感来源是他自己的母亲和家庭中其他女性的传统装束，融合了对家庭和生活环境的回忆以及对未来和艺术的设想。他的作品造型，就像一个个从某个难以掌控的世界中逃离出来的女性，躲藏在设计师煞费苦心制成的一件件复杂而多赘的服装里。破灭的希望在这里寻找到片刻安宁，凝固成永恒的瞬间。虽然逃离世界是不可能的空想，但是他的作品却能产生某种令人忘却恐惧的力量。

　　奥古斯丁·德布尔（Augustin Teboul）是两位分别来自德国和法国的年轻女性时尚设计师组合。她们用神秘而通透的精妙设计，构建出了一个黑暗而诡异的超现实世界。她们从女艺术家路易丝·布尔乔亚的“蜘蛛”造型中汲取灵感，将模特设计成象征着变形和重生的蜘蛛造型。使用千万条蕾丝线用传统手工方式钩织成的黑裙，就像危险的蜘蛛为自己编织的栖身之所。

　　展览推荐的Barbara I Gongini是一位来自丹麦哥本哈根的北欧先锋设计师。她的作品有中性和未来主义的特质，大部分都是由黑、白、灰这三种颜色构成。这是一位在先锋时尚和可持续的生态之间寻求平衡点的设计师，一直致力于推动“道德时尚”：她设计的服装选用的都是高质量的丝绸和棉质面料以及从可持续生产链上获得的可循环再用的材料，也曾大胆创新地将废弃的包装材料重新设计成为新潮的时尚配件。在此次展览上，设计师试图在“黑色忧郁”中找寻另一种美感：虽然表现出来是冷峻的，但是她的目标并不是破坏性的设计，而是将诗意和美用一种顽皮的冷幽默投射在作品中。

　　观察2 0世纪末之后时尚的走向，广岛时髦（Hiroshima chic）、邋遢文化（grunge）、解构主义（deconstr uctiv ism）、极简风格（minimalism）及道德时尚（ethical fashion）等等的新兴词条，接连成为一代又一代的时尚宠儿。这一批后工业时期的设计，承前启后地秉持着一种不同于以往的设计理念，将时代幻灭后的失落精神同一种新的并且还未能定性的“期望”调和在一起。

　　如何延续

　　传统的时尚概念被替代之后，设计师不再必须将时尚的商业氛围作为自己设计的主要目标，而是有更多的空间从内在出发，用设计表达精神层面的思索。这是与之前追求稳定的中产阶级的生活情境或者浮华空泛的迪斯科时代完全不一样的设计环境。在这一过程中，他们并不是只站在一个宽泛的概念上，也不止停留在理论话语的范围内，而是从生活本身出发，同乌托邦告别，逃离到冥思和忧郁的自我内心世界，寻找自身的菁华， 并将这样的内在世界“穿在身上”。因此，这次展览是伴随观众来到时尚的背面，在这个内在的黑暗世界进行的一段旅程。所见到的并不再是眩目的光彩或者虚无美好的造物，而是和设计师一起共同探索一个不确定的灰色地带。这是一个丢失、觉醒并且再次找到自我的过程。

　　卡尔·拉格菲尔德（Karl Lagerfeld）曾说：“你无法逃避时尚，因为即使时尚变得不再‘时尚’，其实也不过是一种新的时尚的开始。”诚如“唯一不变的就是变化本身”，时尚的这种特殊的稳定性，使得它既稍纵即逝又永远不死。而如何延续的问题，到如今，已经不仅仅是探讨人们该如何穿衣，而是扩大到了整个生活环境和生活方式的范围中。

　　时尚并不是将一身确定的剪裁、一种特定的颜色设计出来用以作为下季的“必须品”，而只是我们日常生活和一种理想生活之间薄如蝉翼似的一层面料。但是，在这块简单的材料上，设计师试探着人类生存、感觉和欲望的尺度。在这个似乎一切需要表达的话语都已经表达过了的时代，寻找依然在继续——这便是在时尚之后继续生存的时尚。

　　文 Article/刘潇潇 Liu Xiaoxiao ；图 Pictures/法兰克福应用艺术馆 Museum of Applied Art， Frankfurt am Main， Germany