“新”时装

　　时尚，终究是骨子里带着一种浪漫的女性气质。这或许使得时尚与科技之间，在意识中有着天然的性别隔阂。科技是理性、直观、是一种工业运转的艺术；而时尚的感性与隐喻，所构建的是一种迂回的讨论，这也使得时尚对于科技有着内在的偏见。数百工时的高级订制是对美学与匠心的致敬，而同样的时间，一件经由两百小时数码打印的裙装是否能有着对等的价值？法国高级时装公会肯定了包括Irisvan Herpen的新时代美学，但这种设计中的科技感是否只是一种孤立的先锋的审美趣味，亦或是一场产业与设计理论革命的前奏？于波士顿美术馆展出的#techstyle将这一关于未来的观望转载成一种话题标签，从而进行一场开放与互动式的讨论。

　　自2016年三月至七月，为期五个月的展览将呈现现今科技于时装产业的应用：可与外部环境产生互动的成衣、激光切割的面料、3D打印与可与观众进行影像互动的LED连身裙……时装终将走向何处无人可以妄论，但#techstyle无疑记录下了，科技已经改变了时尚的景观，也改变了时装与穿着者所互动的模式。此次展览暨由六十件横跨时装、配饰、摄影与影像的作品呈现时代性的语境：时装不再是单一的物性概念，而是一种深植于社会张力下，一种互动的集体概念。33件时装作品中的5件展览订制作品来自于Hussein Chalayan，Kate Goldsworthy，CuteCircuit，Francis Bitonti与Nervous System。而策展人也寄希望藉由展览相关的社交媒体帐户，与时尚及科技领域的观众进行互动。这种策展观念也延及展品的选择之上，商业品牌与先锋设计师皆有入选，并以平等的展示构建出展览的两大脉络：制造（Production）与表现（Perfromance）。

　　在结构性的叙述之前，策展人先以个案研究展示时装与科技的过往对话，从而奠定二者相互交融的讨论姿态。Hussein Chalayan无疑是对科技容纳度最高的设计师之一。2006年，设计师所发布的“变形时装”（Transforming Clothes）成为其生涯中最为知名的系列，设计师彼时与伦敦的概念工程事务所2D3D合作，将机械置于外层面料之下，使得时装在非人力介入的状态下自动开和拉链，聚拢面料和变换衣摆，从而改变形态与风格。秀场上展示的五件裙装经由三次变形而投射二十世纪时装风格的演化。Chalayan在近期的访谈中表示科技对其而言是一种达成设计的渠道，而非先决因素。设计师于2008年春夏系列中与Swarovski合作的镭射裙（Laser Dress），数百个镭射光源嵌于面料之中，并借由水晶的反射制造令人眩目的视觉效果。Chalayan藉此隐喻着古代的太阳崇拜与当今娱乐明星的工业式光芒。另一位设计师Alexander Mcqueen则多使用科技来强化其秀场视觉效果的戏剧感。1999年用即兴创作的手法解构了科技的工业程序感，也借喻着一种人与工业社会略带压迫的张力；2006年秀场上对KateMoss的全息投影成为其生平颇为重要的时装时刻，这一由伦敦Gaswork完成的秀场装置在日后的Savage Beauty展览中进行再次展示。同样，以先锋设计进入西方世界的日本设计师的部分设计也在此次展览中进行回顾，川久保玲在2012年秋冬Comme de Garcons女装系列中，凭借新兴制造工艺，以犹如塑料的面料为蓝本进行了以一场“平面感”的视觉核心的叙述，乖张的高饱和色彩与印花在如手工般的几何造型中转化成一种沉静的表达。而对于更为强调时装的社会性哲学思考的三宅一生，面料成为其创造一种全球性时装语言的重要核心。

　　在表现（Perfromance）这一脉络中，科技的融合所赋予时装功能性及视觉传达的新兴领域是大部分先锋设计师所关注的一种方式。作为此次展览互动项目的一部分，CuteCircuit的MFA Dresss是其2012年Twitter Dress的衍生。超过一万个的LED可直接投射所有tweethedress为标签的推文，而此次的版本亦可显示更为高精度的画作（作品数据来源于波士顿美术馆馆藏）。设计师亦为Easy Jet设计过空乘制服，内置LED与影音装备可提高与乘客及机组成员中的沟通效率。但对于设计师Francesca Rosella与Ryan Genz而言，他们在时尚领域的目标是“Interactive Couture”，其中就包括了可以改变色彩的高定长裙Galaxy Dress和根据穿着者的行动变换颜色的Superwirkle Dress。CuteCircuit在用科技来制造一种新的品牌语言，但在五光十色的LED灯光下，品牌最为动人的设计依旧是来自早期的Hug Shirt，面料的传感器记录下拥抱时肢体接触的强度、时间与位置以及皮肤的温度。而日后友人可藉由手机软件在任何地点送出一个温暖的拥抱。

　　相较于CuteCircuit带着科技感的波普式美学，更多先锋设计师运用前卫的科技手段模糊着时装与装置艺术的界限。华裔设计师Ying Gao的Incertitudes Ensembles连身裙中的电子传感器能捕捉外部的声响，并随着声波的变化在织物表面浮动出涟漪般的变化。Irisvan Herpen与Show Studio合作的Water SplashCrystallization Dress项目，用高速相机记录下液体泼溅在模特身上的形态，并在后期拟造出浪花般的形态。而The Unseen的创始人Laurent Bowker利用与生化技术合作的变色染料，使得其设计能根据外部热能、光源与气流的变化，浮现出魔幻的流动色彩。这些观念化的设计所展现的精巧而细腻的气质解构了科技应用常以附属的粗砺感，更重要的是，他们将时装美学表达的方法论进行了突破性的拓展，时装不再是被动的、静态的存在，而能进行自发性的发声，并与穿着者有着积极的互动。

　　但除却这种视觉与概念的实验，对于时尚产业而言，与科技的联姻不仅是一种对当代生活方式的认可，而是对产业发展制造新的契机。2015年英国消费者在设计师品牌上的花销是43亿英镑，而在智能手机一项上的开支则达到45亿英镑，其市场潜力不容质疑。Ralph Laurent为其主线的旗舰配饰Ricky手袋推出Ricky Bag with Light的特别版：包内内置照明和手机充电器的设备延展虽称不上惊艳，却也在可穿戴科技的实用性上做出了尝试。Diane Von Furstenberg与Google眼镜的合作在当时业界也成为话题，但却因设计的美观度与科技的超前性未能引起更大的轰动。但轻奢品牌在这种跨界上相较于强调手工工艺的主流奢侈品牌有着更少关于品牌形象的羁绊。Rebecca Minkoff与美国移动配件零售商合作推出了移动充电器和智能手环，产品系列更强调的是一种功能性的时尚外观，而非强劲的科技内核。在Web2.0时代风生水起的Opening Ceremony则联手Intel，推出MICA（My Intelligent Communication Accessory）智能手环。水蛇皮配以半宝石的手镯设计时髦令让惊讶，而同时又拥有邮件信息提示、GPS定位等科技功能。或许对于可穿戴领域，此刻正是时装设计从工业产品设计手中重拾对可穿戴配饰进行美学创造的权利。

　　如果说Performance是一种对时装演绎语汇的拓展，Production则强调科技对整体生产链的一种变革，时装的制造甚至设计原理都将重新构建。

　　数码喷绘无疑是二十一世纪成衣设计的重大变革，也是最广为接纳的当代时装科技之一。技术的雏形源于70年代的地毯制造业，最早由Issey Miyake应用于Pleat Please的艺术家特别系列的图绘印染中，而正式进入主流时装领域，则是在Alexander McQueen生平最后一季成衣秀Plato’s Atlantis。当冰川融化、海面上升，McQueen将此季的美学定格于一种超现实的诡谲进化的狂想：棕绿的色调、蛇纹、有着海洋生物印花的蓝紫色影射着陆上、水中及沉入海洋的时刻。抽象却有着图绘暗示的数码喷绘赋予了整个系列一种模糊、游离、迷人却令人畏惧的张力。数码喷微的自由度无疑让面料的表现力达到了空前的高度，Mary Katrantzo这位英国设计师，则是利用数码喷绘优势，在近年来疲软的时尚零售业中迅速展露头角。2008设计师在其毕业设计中展示了巨大珠宝的trompe l’oeil数码印花，这种强势却玩味的设计不能不让人想到Schiaparelli的成名作。此次展示的是2012年名为Expandit Dress的设计，Katrantzou与美国摄影师Erik Madigan Heck合作，将设计师的作品经过数码摄影的后期处理，呈现出犹如梦境般的高饱和的视觉冲击。近年来Mary Katrantzou的设计在刻意规避数码喷绘过于主角的地位，而将其作为一种有效的传达手段，融入一种多层次感的表达之中。

　　较之于数码打印的成熟科技和高度商业化的应用，3D打印虽成热议，但其技术在时尚设计的实践，依旧局限于先锋设计师之中。Iris Van Herpen在2013高定春夏系列Voltage中首次对此技术进行了展示。设计师与材料工程学家Craig Carter及艺术家Keren Oxman合作，利用名为Object Connex的生产技术，将混合材料进行一体化打印。而在2015年Chanel秋冬高定系列中，Karl Lagerfeld首次将这一前卫技术融入于大众审美的设计之中。在Karl的方法论中，3D打印成为了一种“新浪潮时装”的符号，但这种将基于摆脱人工的科技归纳到讲究工匠技艺的高级定制体系中，实则是对这一技术诞生初衷的一种解构。另一位专注于3D打印成衣的设计师Danit Peleg信仰着这一技术是自由时装的未来，虽然现有的科技打印一件女装夹克需要220个小时和专属的科技设备及材料，但她讲到，未来的时装应该就像下载首音乐一样简单，“消费者从网上下载图样，然后可以在家完成打印”。

　　时尚的商业链条如今已全面拥抱了科技的浪潮，但对于设计领域而言，科技应用的最大的辩题在于其是否是属于“未来”的概念，或是关乎“当下”的需求。不同的认知将引导设计师进入不同的方法论的创作。或许产业已经给出了它的答案，而此刻等待的，则是消费者是否准备进入一个新的时尚纪元。

　　文 叶田田；图 波士顿美术馆