2015伦敦设计节：设计无处不在

　　伦敦设计节创建于2003年，这十几年来已经发展成为英国最大的年度设计盛会。作为一个创意产业平台，伦敦设计节会邀请世界各地一流水准的设计师和创意团队在伦敦进行展览，并推出设计周边产品。展览时间一般是每年的9月，展出的场地遍布全伦敦，包括一些著名博物馆和美术馆，也有在商业区、广场、公园、码头等公共场地。这些设计节的展品和伦敦的其他著名景点一起，每年吸引着数千万游客前来观光，成为伦敦文化的重要组成部分。如今伦敦设计节早已不是单纯的设计界活动，而是一场文化盛事，跨越了汽车、家居、装置、时装、数码、建筑等30多个不同的设计和艺术的领域，体现了设计的包容性，并且契合了它的宣传语——“Design Everywhere”（设计无处不在）。

　　2015年的9月19日伦敦设计节如期开幕，这次的设计节为期8天，一直持续到9月27日。和以往一样旨在推广和呈现世界上最优秀的设计师、建筑师和最有先锋精神的天才，今年的伦敦设计节是历届中最盛大、内容最为丰富的一届，共有180个合作伙伴参加，同期举办超过240个活动。这次的展览场地主要在维多利亚和阿尔伯特博物馆、南岸艺术中心、泰特现代馆、特拉法加广场和格林威治半岛。

　　来自法国的艺术家兼摄影师查尔斯·皮缇勇（Charles Pétillion）为伦敦设计节创作了作品《心跳》（Heartbeat）。10万只白色气球组成云朵，悬吊在伦敦繁华的卡文特花园（Covent Garden）上空。气球内置橙黄色灯光，约20秒钟明灭一次。这件装置作品体积巨大，长约54米，宽12 米，是作者创作生涯中最大的一件公共艺术作品。气球内部有节奏的忽明忽暗的灯光在应和着作品的主题“心跳”。此外，皮缇勇把作品的展出场地选择在这里其实颇有深意。卡文特花园作为伦敦的重要古迹、集市兼观光景点，而且位于伦敦的中心地带。每个人对于自己熟悉的地方往往会习以为常，每天只顾匆匆走过，忽略许多细节。其实只要稍微留心观察，就能发现这里曾经的风雨和繁荣。十万只气球让人们驻足停步，换一个角度也许就能有让你心跳的发现，作者想要告诉观众，熟悉的地方并非没有风景。气球是一种看起来膨胀但是实际很脆弱的东西，而且任何气球都会缓慢的漏气，这样的作品放在这繁华的集市，也隐喻着经济的兴衰如同气球一般脆弱的本质。

　　维多利亚和阿尔伯特博物馆（Victoria and Albert Museum）一直是历届伦敦设计节的主要展览场地。这次更是展出了来自全球10多个国家和地区设计师的作品，分布在博物馆各个展厅。

　　在博物馆中央的广场上展出的是墨西哥建筑师弗里达·埃斯科韦多（Frida Escobedo ）的装置作品《你知道你不能从镜中看清自己》（You know youcannot see yourself so well as by reflection）。

　　这件作品由数块形状不规则的钢制面板组成，它们围绕着广场中间的水池。当游客坐在上面休息时，长凳的钢制表面会隐喻反射出人的倒影。对于这件作品，作者说：“它的表面看起来类似镜面，映射着周围的自然世界。表面上细小的波纹又让一切看起来不那么真实。这就像真实的我们和我们想象中的自己之间的中间状态。人们一直想通过自省或者别人的评价来认清自己，然而得到的结果也是呈阶段性变化的，每隔几年，人对自己的评价也许就会改变。”

　　这件作品也是墨西哥政府和英国政府的外交合作项目中的一部分。这也是伦敦设计节的目的之一—— 促进文化交流。维多利亚和阿尔伯特博物馆已经有150多年的历史，文艺复兴风格的建筑代表着欧洲繁荣的历史，但是却是用现代工业生产的材料——红砖和赤陶土建造的。博物馆表示，把两种完全不同的文化放在一起会产生一种新的叙事语境。这件装置的作品的形状来源于墨西哥传统纹样，但是使用的是现代的钢材质。它被放置在博物馆的圆形广场中也有文化换位的意义。《欧甘文墙》（The Ogham Wall）是2015年爱尔兰设计节的展品。这次也应邀参加了伦敦设计节。这件装置作品是由6组厚重的水泥板组成。每块水泥板宽1.6米，高3米，厚度约为0.3米，其中镶嵌着不规则的金属部分。它的作者，著名建筑师格拉夫顿（Grafton）说：“欧甘文墙看起来是一件非常具有建筑风格的装置作品，它看起来就像柱廊上的水泥板。但是我们会更多的注意到其中的金属部分，这实际上是一种元素的替换。”

　　这件作品被放置在维多利亚和阿尔伯特博物馆二楼的一间展厅里，该展厅原用于陈列一批17世纪的壁画挂毯。由于壁画挂毯年代久远需要精心保护，而强光会导致颜色剥落，因此展厅没有使用常规的射灯而是采用了一种特制的柔光灯。整个展厅光线昏暗，并且安装了温度湿度控制器，这里的温度比室外略低一些。伦敦设计节期间欧甘文墙加入了这个展厅被放在中央的空地上，四面是古老的壁画，在昏暗的光线和空旷的空间映衬下，显得分外庄严肃穆。观众可以靠近并触摸欧甘文墙，冰冷的水泥板其中镶嵌的金属纹理如同树皮。这次艺术节的策展人表示：“这是古老的浇筑技术和新型建筑科技的结合。”

　　伦敦设计节的主导思想一开始就与传统的设计节不同，它是面向生活的，总在引导人们生活的热点，举办一些对现代人生活有影响的展览。

　　人与自然的关系也是一直在设计和艺术领域被广泛探讨的。意大利设计师米舍尔·特拉克斯勒（Mischer Traxler）这次带来了他的互动装置作品《好奇心云朵》（Curiosity Cloud）。这件作品是和一家古老的香槟酒企业Perrier-Jou.t一起合作的项目。“我们很高兴跟Perrier-Jou.t一起继续我们对自然的探索，”米舍尔说，“《好奇心云朵》是关于庆祝身处自然的时刻以及人类和身边的昆虫世界的关系的。”

　　这个装置由250个维也纳Lobmeyr玻璃公司制造的玻璃球组成。每个玻璃球里放着一只手工制作、镭射切割而成的昆虫。涵盖了人类参与此自然秩序的全范围，这么多玻璃球内的昆虫共分为25种，分属三个类别：濒临灭绝的，普通的和新发现的。

　　当观众隔着一段距离看作品的时候，昆虫们安静平和地躺在玻璃容器里，它们的上方安装有小灯泡，发出柔和的光。当观众走进昏暗的房间，靠近装置的时候，昆虫就立刻“活”了，会在玻璃容器中快速旋转。部分容器上方安装了感应装置，当观众伸手靠近容器，里面的昆虫们动得更快了。不停地碰撞着封装它们的玻璃球，并且发出撞击的声音。如同扑火的飞蛾撞在玻璃灯泡上的声音。只是这种撞击来自灯泡内部。

　　“我们营造了一种平和而诱人的氛围，让人们能参与到装置当中，”设计师们说，“这是一种游戏性的经验，但同时也是一个具有思想性的项目，指出了人类与自然的关系。我们希望给人们带来惊喜和欢乐。”

　　据策展人说：这件作品的灵感源于法国新艺术运动，其当代式的解读完美地体现了新艺术的精神。Perrier-Jou.t公司的“美丽时代”瓶子上的海葵图案的作者是埃米尔·加莱（Emile Gallé），新艺术运动时期最著名的艺术家之一。Perrier-Jou.t公司还收藏了一批新艺术风格家具，在它位于法国香槟区的店铺。伦敦设计节过后，《好奇心云朵》将会在香槟区与这些经典家具并列展览，共同引发不同时期间的对话。

　　除了《好奇心云朵》之外，作品《衣帽间》也是一件值得观众参与的作品。这件作品或者说活动是由两个部分组成的。第一部分是位于55号房间的概念性的衣帽间，观众可以在此从150件大衣中挑选一件穿上逛博物馆。这些大衣看起来如同古代士兵的盔甲一般，而每件衣服背上绘有不同的图案。此外，每件大衣里都缝着一张藏宝图。观众拿到藏宝图后就可以按图上的路线在整个博物馆里寻宝。这些宝贝也正是这个活动的第二部分， 博物馆里的十个地方，陈列有一系列由菲亚·图古德（Faye Toogood） 设计，用以回应博物馆的各种各样的藏品，从15世纪的模板镶嵌的房间到一副闪闪发光的盔甲，这些具有雕塑感的服装。

　　展览期间，不时能看到穿着盔甲的观众出现在博物馆的各处，非常有趣。这些穿上统一服装的观众穿行在博物馆里，本身也成为了展览的一部分。他们串联了各个不同风格的展厅和不同时期的展品。

　　“这些观众穿上大衣的时候也就是我作品的暂时保管人。他们的目的是寻找10件不同材质，不同工艺，不同风格的服装雕塑。”创作者图古德说，“我希望带领观众展开一段探索之旅，在这间博物馆进行一次深度旅行。”

　　装置作品《置于深渊》（mise-en-abyme）是设计师阿莱格里（Laetitia De Allegri）和弗嘉勒（Matteo Fogale）合作的作品。它被陈列在博物馆二楼的一条走廊上。是由数片浅色透明的有机玻璃组成，观众可以从其中穿过。不同颜色的有机玻璃板层层叠加在视觉上有一种朦胧感，很不真实。仿佛进入了一条奇幻的走廊。整件作品的颜色会变化，这取决于观众的视角变化。“我们想要创造一个抽象的装置作品，光线和漂浮感给观众很强的视觉效果。”设计师们说，“《置于深渊》不单单是一个视觉艺术作品，我们想带给观众的是一种新的体验。”

　　2015年的伦敦设计节虽然只有8天的时间，但是所有的展品都倾注了设计师的心血，而且制作过程耗时持久，往往是数月甚至数年。为了达到最好的效果，今年的设计节还没结束，策划团队就已经开始筹备2016年的设计节了。

　　文>方翔