历史上的第—次跨界 文艺复兴时期的纺织样式与印染革命

　　在当下时尚圈中，如果提及到“Collaboration，Crossover，Team up with”等关键词，媒体的反应多是褒贬不一，有的说联名是变相敛财的工具，而有的则说跨界带来的创意可以满足更多时尚爱好者的期许。无论大众如何评论，联名质感降低，好梗也变成烂梗，这是不可否认的事实。那么，该如何拯救这场钱滚钱的营销游戏呢？纽约大都会博物馆的展览《时尚风格——纺织样式与印染革命，1520-1620》（Fashion and Virtue——Textile Patterns and the Print RevoLution，1520-1620）似乎给出了答案，让我们从这个展览追溯到历史上的“第一次”联名合作，看看那个时期的艺术家们是如何制造出“1+1>2”三方三赢的局面。古人云：“妇人一衣，终岁可就”，令人不禁好奇怎样的衣服，需要一整年的功夫才能够完成。这个答案还要追溯到丝绸之路，那时候就有南北朝时期的作品。从出土实物分析，中国至迟在唐代已将通过经断纬的技法移用与丝织物，出现了全世界上最早的缂丝作品。至于缂丝如何技术如何流入西方世界，共有两种说法：一是，意大利威尼斯商人马克波罗（Marco Polo）随从父亲通过丝绸之路来到中国，一下子就被中国的缂丝文化吸引，将缂丝织法引入欧洲；二是，在西元330年，罗马皇帝君王坦丁（Constantine）大帝将拜占庭（当下的伊斯坦堡）扩建为帝国新都，并将其担任为中西交通与文化流动的主角。在这期间，东罗马帝国一直相当重视与中国的丝绸贸易，其中更以“缂丝”为重中之重。当了唐代（618-907年），缂丝在东西方文化交流的背景下不断发展和完善，当时的制作多为丝带等实用品。缂织技法主要受织成锦和纬锦方法的影响，一般以平缂为主，花地之间的交接处尚有明显的缝隙即“水路”。此外，也有掼、构和搭梭等缂织法。唐代缂丝的纹样题材一般以简单的几何形花纹为主，色彩主要是平涂的块面，还没有使用晕色匹配，故色彩层次不够丰富，但有的已使用金线作地纹，增强了装饰效果。

　　随着缂丝文化在西方的不断发展，在文艺复兴时期（十四世纪中叶在意大利各城市兴起，以后扩展到西欧各国）达到了一定的巅峰。西方手工者借由织品艺术的王者“缂丝”作为画板，使用纱线作为画笔，无中生有地“织出”栩栩如生的动人画面。不但细致程度可媲美大师画作，且不似刺绣凌乱的表面，这种针织品的里面都如梭织品般光滑，并能做到薄如蝉翼，令古今中外的历代帝王费时动辄十数载，只为感受文艺复兴与缂丝针织碰撞出的奇妙火花。

　　而在文章开篇，姑且先不提文艺复兴时期艺术界中的“美术三杰”，而是先来说说这缂丝针织面料的制作原理——使用极细的白色经线排列出架构后，在背后衬上图案底稿，再依样以各色经线缠绕其间即可。有趣的是，缂丝针织的诞生还伴随着一个有趣的神话故事。相传在中亚古国Lydia的一位织女，她制作缂丝的技术连森林中的仙子都忍不住驻足观赏，并封赏她来掌管织物，成为雅典娜之徒。但这位织女却认为自己的技艺举世无双，无须屈居雅典娜之下。此消息激怒了雅典娜，她号令与织女一较高下。面对女神的挑战，织女不但没有怯场，反而特意选择了雅典娜父亲宙斯的风流场面当做创作主题，编织出无可挑剔的绫罗绸缎。最后，雅典娜对于织女的技艺虽然哑口无言，但面对父亲被公然羞辱，仍旧使她怒不可遏，打碎了织女的纺织机，并将其化作为蜘蛛，从此只能靠吐丝结网为生，希腊语中的蜘蛛一词“Arachnid”，也源于织女的本名而来。

　　在文艺复兴时期，缂丝针织品艺术慢慢回潮，不但丝线排列变得更加细密，画中人物风景更显栩栩如生，题材也更为广泛，促使不少艺术家与缂丝产生了一段段无法言喻的奇妙关系。在这其中，使缂丝针织回到高等艺术之林的当属文艺复兴三杰之一的拉斐尔（Raphael，1483-1520），他于1515年为西斯廷大教堂（Cappella Sistina）所做的缂丝底稿（Cartoons），以圣彼得与圣保罗生平为题材的10幅缂丝作品，因拉斐尔独到的构图功力，一度与米开朗基罗（Michelangelo Buonarroti，1475-1564）的“创世纪”（Genesis）壁画齐名，但由于缂丝织品保存不易，如今传世的仅余下7幅，且只在特殊场合亮相。

　　无疑，拉斐尔打开了缂丝针织的先河，交错复杂的纺织图案也让“三杰”之一的达芬奇（Leonardo da Vinci，1452-1519）产生了浓厚的兴趣。这位从美学、艺术到科技以及设计，甚至跨越哲学思维的旷世奇才，光是画作部分就充满了不少谜团，让历史艺文学者乐此不彼于解密之中。俗话说，好奇心可以杀死一只猫，求知欲无从填满，当这些背后藏有秘密的图案出现在缂丝针织品上的一刹那，令后人不得不痴迷于探寻达芬奇绘画创作中的可贵宝藏，去觅得一把钥匙，得以开启最瑰丽的创意之花。

　　事实上，达芬奇留给后人的遗作并不算多，并非他创作太少，而是他很爱研发新绘画技术，导致不是没有留存下来，要不就是重复在同一画作上来回测试，花了半百日子都未见成果，像是他在曾尝试用干石膏上油涂画，就技术来说，很有可能失败，但他仍是热衷实验敢于失败。从1494年到1498年间成就的“最后的晚餐”（Cenacoto or L‘Ultima Cena），是达芬奇在米兰圣玛利亚感恩教堂（Santa Maria delle Grazie）中所作，题材选自耶稣被罗马士兵逮捕前，与12位门徒共进最后一餐的画面。耶稣也在此对众人交代自己将受到出卖，以至众人显得面面相觑，出现疑惑骚动的表情。在当时文艺复兴时期，达芬奇利用透视手法表现出食堂空间感，制造深景效果，另外在构图讲究比例均衡美感，如同他在研究人体构造学时，连同绘图颜料在内。诚如上述，他研发用油和有机物混合涂料当颜料，也因这类颜料保存有限，很容易受到风化的剥落损毁。

　　约1520年左右，杜勒（Albrecht Durer，1471-1528）先后游离两次意大利，期间结识了画家乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini），同时研究了达芬奇的作品和艺术理论，并复制了达芬奇的生前作品“The Fifth Knot”（1498）于定期出版的纺织图案小册子中。彼时，将前辈们的优秀作品“袖珍”后在图案刊物上，成为了一种趋势，更为世界历史上打造出第一本时尚图案绘本，供女工借鉴引用于缂丝针织品之上。

　　在那个还未曾出现“数位转印”的年代，印花艺术丝毫不减当下风采。画家们天马行空的图案无需透过电脑，而是纯手工绘制在羊皮纸上，便能打造出如真似假的梦幻图腾。同时，也将前辈的珍贵作品“拷贝”成另一种记忆保存，以便能够移植在贵族们想要拥有的物品上。

　　图案绘本中还出现了龙、孔雀、凤凰等来自东方神秘国度的吉祥物。相对于西方浓墨重彩于大型缂丝织物之时，中国的宋朝也将其发展至极致，以小巧淡雅取胜。虽然作品只有30公分到1公尺见方，织数却往往高达400以上，并发展出在单股纱内混入不同颜色纤维的技法，使原本色彩分明的丝线，有了水墨般的晕染效果。在葱炒尚文的社会风气下，此时的缂丝作品大多以文人画题材为主，甚至有了不少临摹书法的作品。到了清代，乾隆皇帝的珍藏品种也保留了不少宋朝时期朱克柔、沈子蕃等大家的缂丝作品，足矣其媲美书画的艺术价值。

　　到了元代，除了审美再度转向奢华，“运丝如运笔，是绝技，非今人所得”——用来形容这一时期的金丝银线织成的作品最合适不过。在出土文物中，王公贵胄的“缂丝玉兔云肩”、“缂丝紫汤荷花靴套”等马术配件，纷纷以制作工序繁复的图案为主，反应了当时崇尚骑术的风气。

　　而明初，在宣德年间，贵族间对待缂丝的使用更是变本加厉，朝廷更设有“内织染局”，专门制作缂丝服装，作为皇帝礼服的“衮龙袍”，往往同体以缂丝制作，其中明神宗的意见“福寿如意”，以金丝混合孔雀羽毛制作而成，更耗尽当年工匠13年岁月才完成，可谓是当今手工高定的先驱之作。

　　如今，在复古与东方风的交相夹攻之下，缂丝再度成为最抢眼的元素。虽然不可能再倾尽数十年经历成就一套服装，但缂丝与各种图案搭配在一起，繁多花样仍是精彩可期。好比善于运用印花的Dries van Noten，在2012秋冬参考了V&A博物馆中所收藏的大量中、日、韩缂丝织品艺术，重现袍服上的龙飞凤舞、清朝画案以及工笔仙鹤。这缂丝上的龙凤图纹不只对于东方人具有权威性，在文艺复兴时期的西方人眼中亦为极具神秘感和东方色彩。

　　从1520至1620年间，缂丝纺织品图案和艺术家们的绘本印刷革命，虽然只算是文艺复兴时期艺术创作中的冰山一角，但上文介绍的每一幅艺术文创发想，都拥有着值得被研究的价值。在这个时下各品牌都积极靠联名搏生的大环境下，Crossover到底能否回到最初的样子？而不是单纯依靠名人效应来打开商机大门，夹带庞大粉丝力量，用人气堆高买气，还请设计师们看看当年大师们的执着之下的“精益求精”吧！

　　文 Article>李充 Li Chong；图 Pictures>纽约大都会博物馆 Metropolitan Museum of Art 编辑：九月