談台北美術獎

　　這幾年，文化創意產業喊得震天價響，從政府到民間，它把社會的經濟組織和美學生產之間做根本接縫，但是當代藝術對於這個接縫經歷了饒富戲劇性的跨合，究竟藝術與產業的接縫是必然的趨勢，或必須壓制這個接縫並消彌它的產值，雖然並未獲得解決，卻也使得新一代藝術家的創作突然顯得多樣奇異及無法界域。這樣的轉折讓作品詮釋不再是單點，它可以在生產中翻轉過來，而接受指涉、聚合、裂化等的重複辯證，「台北美術獎」的演變完全符合這條軸線。

　　美術獎發展的脈絡

　　一九八三年，台北市立美術館適逢開館之際，承接了由台北市政府教育局所主辦的「台北市美展」。當時的台北市政府文化局尚未誕生，這個歷史最悠久的公辦美術競賽展棲息在「教育」的框架下，是一種傳統美術教育的嫁接，偏向單一形式的作品，以平面書畫類及雕塑為顯學。

　　然而從八十年代至九十年代，台北市立美術館做為台灣史上第一座現、當代的美術機構，在這一點上，它不遺餘力地舉辦許多不同類型的國內外展覽；而當時藉由展覽、評論、教育三管齊下， 於六十年代中期到七十年代主宰國際藝壇的觀念藝術風潮，席捲了國內藝壇。這種震撼和那時解嚴前後的社會景觀連結在一起，官辦的市美展愈來愈蒼白，它必須改變！一九九八年，歷經二十四個年頭，為因應藝壇生態的變遷，北市美展更名為「台北獎」。二〇〇一年，更取消了分類競賽的舊規，不再用媒材、類別去做獎項分類，而著重作品的理念、風格及時代性，並再次更名為「台北美術獎」，沿用至今。

　　另一方面，「台北美術獎」從一個區域性的美展轉向具指標性的當代藝術獎項，這個過程終結官方意識形態下所主導的美術生態， 試圖提出一些大問題；例如，藉由一個由美術館所規劃、設計的美術競賽，是否準確地反映出當代藝術之樣態？獲獎的作品是否只迎合以學者為基底的評審團品味，而印上「學院觀點」這個印記？就整個意義而言，該獎項是否可以呈現當代藝術的混合性、歧異性與無法分類等徵兆？或是它傾向一般或普遍的藝術形式，卻排斥某些獨特的表現形式？由此，我們可以從今年入圍決審的十六件作品計畫，去觀看這些作品是在當代經驗的範圍裡，或是不合時宜。

　　錄像藝術的新可能

　　丁昶文作品（義女：尋找白玫瑰）取材自一九八〇年代挑戰社會規範的飆車族，向當時人稱「白玫瑰」的少女車手致敬，表達女性在社會中如何呈現自我，如何展示身上的力量，對抗環境施予她們身上的力。紀紐約錄像裝置（運動三部曲）系列作品，其運用三次駐村與展覽的經驗，創作三件「八角圓」、「三角桌」、「莫名綻放」作品，轉化原運動器材既有的樣貌與空間產生對話，並隱含了當地的歷史人文語彙。張乃仁的（永別了，愛德華）以藍幕為作品主軸，象徵無限、無時空，可以用後製來穿越一切的東西，並揭示了媒體的真實、虛假的模糊地帶。

　　曹淳的錄像裝置（Joachim 女士的行李箱）則以在法國拾獲的行李箱作為發展作品的主線，不僅完整呈現這隻行李箱背後的故事，更為它開啟新的敘事。陳敬元（信號彈）錄像作品隱喻的是一種溝通的管道，在每個人都想極力地表達自己，而那遲來的聲響是否有辦法確實的被他者接收，抑或持續誤會著。鍾和憲的（晴空），以3D 電腦繪圖呈現類似古生物化石、動物遺跡於博物館場域的虛擬影像，搭配現場物件裝置，試圖營造一個觀者能恣意擴張想像的空間，進而處理人面對未知與開啟想像機制之間的關連性。

　　玩弄複合媒材

　　饒加恩參賽作品（紋徽）以手繪圖像、三角立體裝置結合文字敘述呈現， 試圖提供觀者開放視角， 重新審思台灣島嶼在被殖民時期所遺留的政治、經濟與文化產物。紀柏豪作品（ 空間的節奏） 為展於倫敦「1296-4107聯展」（時間濃縮） 計畫中的聲音裝置， 聲音採集地點由倫敦特定建築空間轉至北美館地下二樓展場， 收音內容為一整日展間的聲音變化。倪灝的（ 夜雕塑） 為複合媒材裝置， 結合錄像、平面攝影與立體餐車，試圖置入光源營造夜間飄雨的詭譎氛圍，進而探討循環機制與階級系統相互作用可能產生的矛盾關係。

　　莊志維的作品（實驗室：空氣、水、土壤） 、（ 入侵：地圖）及（浮島），分別以營養液、培養皿、地瓜與冷陰極燈管作為主要元素，試圖闡述科技日益進步之下，生態環境不僅對人類生活進行反撲，無形的病毒也對人體大肆侵略。張博傑的（地圖詩歌／台北）以複合媒材、裝置形式呈現，試圖反思科技日益進步對人類生活產生的影響。張博傑藉由平日廣泛使用的谷哥瀏覽器，輸入與台北相關的關鍵字，再依地圖指引的路線，實際走訪每條路徑，重新探索台北，也再次體驗自我探索的過程。簡翊洪系列作品（男孩與叔叔）則藉由自己設定的人物符號，試圖進行以自身情感與自我認同作為主題的視覺辯證；畫中情節亦是真實生活的體現，也是創作者遐想的具體樣貌。陳以軒（你是懂了嘛）透過義大利歌劇曲調以中文歌詞呈現，嘲諷普羅大眾看似理解精緻藝術，卻僅是從眾主義的表現。

　　林俊良（查理布朗拜訪犘陀撒洋）作品，以自身原住民的身分開啟一段與腦海內虛構人物查理布朗的對話，進行口述文化與書寫文化的辯證。陳哲偉（在齁空間裡嚎囂）作品，選擇美國詩人艾倫金斯堡之散文詩（Howl）作為文本，進行了藝術、文學與當代社會的三重對話，透過不同層面揭開敘事與建構想像，並讓想像在現實中變得可能。溫孟瑜的平面作品（靜置的時光）以日常場景與物件為題，將真實生活空間透過撿拾與拼組的安排，時而以想像填補記憶中空缺的部分，時而真切地呈現內在心境的風景。

　　總括來說，「二〇一四台北美術獎」進入決審的十六件作品， 都可能意指我們必須閱讀自身所處環境的「現實性」。像是一種對現實主義的反思與批判，在「進步」的世界這樣的想法裡，表達出正面迎擊的意識形態。這群平均年齡三十歲的新一代藝術家的作品具有一種開放性及解構性，涵蓋不同形式的表現，如影像、繪畫、文字、物件、聲音、事件等，其中潛藏一股逼向現實，從對某種東西的全面意識才獲得意義與形態，絕非是喃喃自語的個人意識。這正是引導我們見證勇敢冒險的當代藝術作品，是藉由一種對真實世界的嚮往才開始豐富起來。(文、圖由《文化快遞》提供）

　　文、圖/台北市立美術館提供